La novella è semplice e ci parla di generosità ed ingegno. Si tratta di una delle versioni della storia del costume di Arlecchino:

In una scuola, in qualche angolo del mondo non meglio precisato, un gruppo di bambini festanti organizzava il carnevale. C’era chi, con in mano un pezzo di stoffa rosa, sognava di diventare per un giorno la più bella delle principesse, chi invece voleva essere un moschettiere e chi ancora un antico romano…ma…

Nel bel mezzo di tanto vociferare e di tanta gioia, c’era, ricurvo sul suo banchetto, un bimbo in lacrime. Lui, orfano di padre non poteva permettersi il lusso di tanta stoffa da utilizzare per un costume di carnevale, la madre era una povera donna che sbarcava il lunario rammendando vestiti per le famiglie più abbienti.

Mossi a commozione, tutti i piccoli compagni di classe decisero di regalargli un pezzetto della loro stoffa.

…il bimbo felice e grato per l’inaspettato dono corse a casa e diede alla madre la sua nuova “ricchezza”; lei esaminò con attenzione quel variopinto mucchietto di stracci e poi, con grande ingegno e maestria cucì quello che, ancora oggi è considerato uno dei più belli costumi di tutti i tempi.

Il racconto ha già ispirato l’artista Christian Costa che nel 2007 ha realizzato il suo Arlecchino. StracciARTE è la riproposizione dell’opera di Costa nel contesto del Carlevè monregalese con un inedito allestimento curato dalla Piccola Galleria Materica e con il contributo artistico di Massimo Martinelli che ha fornito una sua grande “Pittura Industriale” realizzata nel 2006.

Il luogo è quello della stazione di Breo della funicolare. L’occasione è quella di meditare sullo stato dell’arte: stracciata, rifiutata, ma sempre riciclabile, qualora si abbia ancora voglia di cogliere la bellezza delle piccole cose.

L’allestimento è una diretta citazione della Venere degli Stracci (Michelangelo Pistoletto, 1967), rivista in chiave minore e adattata al carnevale. La Piccola Galleria Materica propone ai visitatori la possibilità di interagire con l’opera: basta portare dei vecchi abiti ad Arlecchino (meglio se da bambino) per far crescere la dimensione della generosità e dell’arte. Tutti i vestiti raccolti verranno poi donati all’Associazione Caritas e al Volontariato Vincenziano (Punto Fraternità).

Il progetto SEMI nasce dalla consapevolezza che per restituire credibilità popolare all’arte occorra una visione a lungo termine. Occorre armarsi di perseveranza … sviluppare un percorso fatto di piccoli passi quotidiani … misurare gli errori ed i successi senza perdere di vista la direzione principale: coltivare l’arte come caratteristica connaturata all’esistenza umana. In questa direzione ci muoviamo e nella speranza di mantenere lo spirito virtuoso del pastore di Giono: «Perché la personalità di un uomo riveli qualità veramente eccezionali, bisogna avere la fortuna di poter osservare la sua azione nel corso di lunghi anni. Se tale azione è priva di ogni egoismo, se l’idea che la dirige è di una generosità senza pari, se con assoluta certezza non ha mai ricercato alcuna ricompensa e per di più ha lasciato sul mondo tracce visibili, ci troviamo allora, senza rischio d’errore, di fronte a una personalità indimenticabile». Jean Giono – L’uomo che piantava gli alberi – 1953

È quindi un lavoro di semina. Senza troppe garanzie di riuscita ma con la precisa convinzione che senza semi non c’è raccolto. Senza l’impegno e la qualità del lavoro si riducono le possibilità di riuscita. «Il pastore che non fumava prese un sacco e rovesciò sul tavolo un mucchio di ghiande. Si mise a esaminarle l’una dopo l’altra con grande attenzione, separando le buone dalle guaste. Io fumavo la pipa. Gli proposi di aiutarlo. Mi rispose che era affar suo. In effetti: vista la cura che metteva in quel lavoro, non insistetti. Fu tutta la nostra conversazione. Quando ebbe messo dalla parte delle buone un mucchio abbastanza grosso di ghiande, le divise in mucchietti da dieci. Così facendo, eliminò ancora i frutti piccoli o quelli leggermente screpolati, poiché li esaminava molto da vicino. Quando infine ebbe davanti a sé cento ghiande perfette, si fermò e andammo a dormire. La società di quell’uomo dava pace. Gli domandai l’indomani il permesso di riposarmi l’intera giornata da lui. Lo trovò del tutto naturale o, più esattamente, mi diede l’impressione che nulla potesse disturbarlo. Quel riposo non mi era affatto necessario, ma ero intrigato e ne volevo sapere di più. Il pastore fece uscire il suo gregge e lo portò al pascolo. Prima di uscire, bagnò in un secchio d’acqua il sacco in cui aveva messo le ghiande meticolosamente scelte e contate».

Come seguendo la via tracciata dall’uomo che piantava gli alberi, l’idea semplice che la galleria vuole sviluppare è quella di installare sacchi riempiti di semi in vari luoghi. L’obiettivo è quello di generare dei piccoli “presidi artistici” utilizzando la metafora della trincea (vivere e morire lungo la linea di confine) per visualizzare un “limite valicabile” tra la gente e l’arte.

I semi germogliano, crescono e muoiono nello stesso luogo; una installazione temporanea che deve sorprendere prima, coinvolgere poi ed infine far sentire la propria assenza. Nuove installazioni, in diversi luoghi avranno poi la missione di segnalare una bella piazza, un monumento o un’area di interesse storico e sociale dimenticato dal passo dell’uomo… una nuova linea di confine da superare.

Quando Giono, reduce dalla grande desolazione della seconda guerra mondiale, tornò a far visita al pastore, si stupì:

«Quando penso che un uomo solo, ridotto alle proprie semplici risorse fisiche e morali, è bastato a far uscire dal deserto quel paese di Canaan, trovo che, malgrado tutto, la condizione umana sia ammirevole [..] è una storia esemplare che racconta di come gli uomini potrebbero essere altrettanto efficaci di Dio in altri campi oltre alla distruzione».

Una materia, la pietra, che è la cosa di cui è fatta la terra: la cui età può variare da 20 milioni di anni, se di recente formazione, ai 200 milioni per i materiali di mezza età. Che è estratta da enormi giacimenti, che è trasportata in giganteschi blocchi, poi tagliata in pezzature minori ed infine scolpita. Tutto ciò, in fondo, solo per emozionare.

Lunedì 28 luglio è iniziato il simposio di scultura arenARTE. La possibilità di vedere i 5 scultori all’opera dal Belvedere di Mondovì Piazza durerà da fino a domenica 17 agosto.

Nazzareno Biondo – Alice Costamagna – Antonino Lamia – Daniele Miola – Daniele Aletti

Un tema su cui Daniele sta lavorando adesso ma che in un qualche modo potrebbe “giustificare” anche le sue sculture di ieri…sempre che l’arte si debba giustificare.

In questa personale, la PGM, ha messo il titolo, “oggetti affettuosi” e questo si, è da giustificare.

Il gioco di parole rimanda con evidenza agli “oggetti d’affezione” di Man Ray. In questo libro/opera, l’artista dadaista esprimeva la ricerca di un “nuovo senso”. Una ricerca dove il termine “affezione” è il “risultato” dell’azione artistica operata sull’”oggetto” e sul “titolo”: attraverso il titolo si guida il processo d’interpretazione dell’opera che acquisisce un nuovo senso e genera affezione.

Per Aletti l’oggetto non genera senso ma emozioni … l’oggetto non è simbolico ma affettuoso. Si deve toccare, occorre entrare in relazione.

Aletti dice: “mi piace l’idea di un contatto ravvicinato con la materia, per poi arrivare ad un’esperienza diversa che per appunto va oltre la forma. (…) Essenziale credo sia il vuoto senza il quale la materia non è definibile. Il vuoto è anche l’unica cosa assoluta nella vita, tutto il resto credo sia relativo. Il vuoto non è niente di mostruoso, ma l’origine di tutto. Svuotare la propria mente porta a non mettere continuamente i propri pensieri al centro dell’attenzione”.

La stessa tecnica scultorea di Daniele è “a togliere” e quindi genera vuoto. È dall’assenza di materia che si ottiene la forma. Una materia, la pietra, che è la cosa di cui è fatta la terra (una pietra nel vuoto). La cui età può variare da 20 milioni di anni, se di recente formazione, ai 200 milioni per i materiali di mezza età. Che è estratta da enormi giacimenti, che è trasportata in giganteschi blocchi, poi tagliata in pezzature minori ed infine scolpita … ciò che resta si può vedere come risultato del vuoto che ha generato.

Non è forse un caso che Aletti insieme a Daniela M. Guggisberg abbia scelto per realizzare la galleria Camoroni a Sale San Giovanni, proprio l’infernotto: edilizia a “togliere”, nel vuoto dello scavo.

Leggere il giornale, dipingerlo pagina per pagina, consegnarlo ad alcuni caffè torinesi. È la quotidianità di Andrea Bertotti, ormai da otto anni per un totale di oltre 25000 dipinti.

Questa è la cifra artistica di Andrea e queste anche le cifre…

Le opere esposte in galleria fanno parte di un lotto già esposto a Parigi, per questo motivo sono quasi prive di testo e giochi semantici

Dai “piccoli racconti in nero” ai colorati messaggi totemici che rimandano a luoghi altri affascinanti e lontani.

Dalla cura del dettaglio in terracotta al calore del legno trattato con le aniline e la foglia d’oro.

Lunghe tele, lunghi rotoli (fino a 100 metri di lunghezza), da tagliare su misura: arte povera e immediata, da vendere a metri.

I “frammenti di pittura industriale” di Massimo Martinelli – allievo di Gallizio in “erboristeria e aromateria” alla scuola enologica di Alba – nascono su ispirazione e nel ricordo del celebre maestro.